La Ilustración Gráfica

La Ilustración Gráfica

Aporte basado en:

Romero, Rocio, Taller de Ilustración Gráfica, México: Universidad de Londres, 2008 pág. 5.

Para abordar la ilustración gráfica se puede mencionar que es una temática concreta no tiene mayores detonantes de discusión en nuestros días, su debate aún se mantiene pero ya nos han arrojado conclusiones teóricas y hay que comprender que la función primaria de la ilustración es la de realizar la interpretación gráfica de una idea. La idea que se quiere interpretar debe ser cuidadosamente visualizada. De esta manera es posible dar visos de realidad a una idea totalmente abstracta.

La función del ilustrador es captar la imagen o crearla y darle vida al conceptualizar y plasmar la idea. El ilustrador se subordina a la idea, pero le presta su habilidad creadora al llevarla a la práctica; donde se basará en métodos y técnicas hibridas, entre científicas, técnicas, tecnológicas y plásticas. Así la observación es el método clásico de investigación, además es la manera básica por medio de la cual obtenemos información acerca del mundo que nos rodea. En este sentido, la observación es de suma importancia no sólo para la ilustración sino para todo el Diseño Gráfico, sin ella es imposible manejar un lenguaje visual ni mucho menos crear imágenes.

Ahora, el papel del ilustrador se complejiza debido a que un ilustrador, no solo puede controlar el tiempo, o encontrarse como omnisciente de la creación, sino también centrar el tema, seleccionando algunas de las características del paisaje y descartando otras, o trasladar los acontecimientos de un día a un solo dibujo, usando los apuntes o simplemente su memoria. No hay duda que la concepción de un tema es más importante que cualquier otra cosa, por ello vale la pena dedicar un tiempo considerable a los bocetos hasta estar seguro de que se tiene una buena distribución para aportar una buena construcción, composición mediante un “registro o indicio”.

Lo que nos ayuda a reconstruir e interpretar nuestras imágenes y conocimientos es formularnos un cuestionario sobre el o los temas a tratar en nuestra ilustración:

- ¿Cuál es la naturaleza de nuestro tema?

- ¿Tiene un estado de ánimo?

- ¿Debe hacerse en color o blanco y negro?

- ¿Es un interior o exterior, de día o de noche?

- ¿Iluminación difusa, brillante, oscura, tenebrosa?

- ¿Es posible contar la historia en más de una manera? ¿De qué modos?

- La situación, ¿depende de las expresiones faciales?

- ¿Qué figura es la más importante?

- ¿Cuál es la idea dominante de nuestra ilustración?

Por lo tanto, el papel de la Ilustración es de suma importancia para el Diseño Gráfico, la ilustración nos da referencia de nuestra propia vida, de todo lo que vemos y observamos y de nuestras impresiones y experiencias del mundo que nos rodea y de nuestras propias vivencias. La ilustración siempre formará parte de nuestra vida.

El Ilustrador, por su parte, es un creador innato, con capacidad de observación y memorización pero además con la innegable posibilidad de reconstruir e interpretar la imagen, es en este sentido, a través de cierto proceso y el manejo de un lenguaje visual amplio, un creador de imágenes creativas con un lenguaje propio.

Diseño, Arte y Estética

Diseño, Arte, Estética.

Aporte basado en:

http://cynthiabautista.blogspot.com/2007/02/esttica-arte-y-diseo_26.html

http://www.criticarte.com/Page/file/art2007/DisenoDilema4FS.html?=DisenoDilema4.html

Estos campos conceptuales desde siempre han generado cierto grado de confusión en su relación, sin embargo aunque están ligados, su concepción individual es desarrollada de forma diferente, así como su objeto, base teórica y aplicación.

Para entender esta relación partiremos de las diferencias entre diseño y arte con sus asociaciones con la estética, así el diseño es diseño no arte, la teoría de la forma nos muestra que la percepción asocia lo que se parece; pero cuando vas más allá de la percepción en busca de un conocimiento, encuentras una sola diferencia, entonces al indagar en sus referentes se podrá descubrir más y más diferencias. Las únicas semejanzas entre arte y diseño son puramente formales.

“Lo artístico” no es el arte. El adjetivo “artístico” está ligado al acto de la creación. Pero estamos hablando de Arte y Diseño; Lo esencial es que el arte se hace preguntas y el diseño soluciona problemas.

El dilema entre las disciplinas del Arte y el Diseño es renovado por la interdisciplinariedad dominante. Las estrategias de ambas disciplinas se superponen. El diseño se disuelve hacia las estrategias de la Institución-Arte mientras el Arte más propositivo se aleja de la trama institucional adentrándose en las imágenes cotidianas, fundiéndose en las prácticas de visualidad de la sociedad y cultura contemporánea. Finalmente, la identificación como diseñador o artista proviene más de una decisión individual que de disciplina. La identificación de sus trabajos como arte o diseño dependerá del concepto que el individuo se forme sobre lo que es "Arte" y lo que es "Diseño", La idea actual de “diseño - diseñador” proviene de los cambios sociales del siglo XVIII que convierten al Arte en una industria millonaria, aunque, también, el arte se disuelve en la actualidad en la esfera extendida de la imagen, reconsiderándose si existe como entidad cultural cuando se opina que el diseño es el arte de nuestros días. Son las manifestaciones del diseño las que acaparan las prácticas simbólicas más activas hoy en el panorama artístico; sin olvidar que nosotros como diseñadores somos reconocidos a partir de las teorías y aplicaciones de la escuela alemana de diseño Bauhaus, puesto que antes de la Bauhaus el diseñador es conocido como artífice, una persona que fusiona las artes y la artesanía, más no al nivel de un artista.

La estética es una experiencia, es un conocimiento que se adquiere por los sentidos, el arte es un pensamiento contundente (veras). En primera instancia surgió la cosa, posteriormente el instrumento (que poseía una función determinada), después vino la obra, constituida para contemplar, experimentar, analizar y finalmente concluir, lo que lleva al espectador a tener un pensamiento contundente. El origen de la obra de arte es la verdad (naturaleza), y la verdad del artista o del espectador es la percepción de “su” mundo. La obra permite la interacción (acciones reciprocas de respuesta variable) entre el artista y el espectador, no existe obra sin espectador, ya que no existe el pensamiento contundente. La obra de arte es la unión de tres “mundos”, el del artista, el de la obra y el del espectador.

Los Nuevos Paradigmas de la Investigación y el Diseño Gráfico

Nuevos Paradigmas de la investigación y el diseño grafico

Aporte basado en:

http://www.dis.uia.mx/conference/HTMs-PDFs/ConsideracionesparaEnsenanzadeDG.pdf

http://cumincades.scix.net/data/works/att/008d.content.pdf

http://estimulo.wordpress.com/2009/03/18/el-proceso-de-diseno-y-su-relacion-con-la-investigacion-cualitativa/

www.anuies.mx/servicios/p_anuies/publicaciones/revsup/pdf/RES_135.pdf

Para partir en el análisis de los nuevos paradigmas de la investigación relacionado al diseño gráfico es oportuno precisar que es un paradigma y que enfoques pueden darse entre su relación. Según la R.A.E. en su diccionario de la lengua española precisa que un paradigma es, Conjunto cuyos elementos pueden aparecer alternativamente en algún contexto especificado; para este breve análisis tomaremos esta precisión como conjunto de conceptos alternos y desde el punto de vista de la comunicación y semiótica se lo propondrá como dicotomías en relación a lo concreto.

Así los nuevos paradigmas de la investigación hacía el diseño gráfico tienen origen en el sentido de la investigación no solo científica, como se ha expuesto en entradas y análisis anteriores, transciende a metodologías sociales de investigación más reales mediante la interactividad sujeto o objeto de investigación en instancias.

Diversos autores se enfocan en que los paradigmas de la investigación en relación al diseño gráfico nacen en la inmersión de las TIC´S, en las áreas de la comunicación analógica y digital, o a su vez estos paradigmas vienen heredadas de la comunicación; estas herencias vienen de las áreas de la comunicación asincrónica y diacrónica, enfoques de los cuales aún se puede encontrar un nutrido debate acercando sus aportes hacía que; los nuevos paradigmas de la investigación tienen relación al diseño gráfico mediante una epistemología que sea, con conciencia, reflexivo, así la investigación en el diseño gráfico se propondrá como diagnostica, sistemática, científica y contextualizada en una línea cualitativa.

La metodología cualitativa exige para el análisis de cualquier fenómeno social, tomar en cuenta el punto de vista del sujeto y el contexto en que se realizan las acciones. Maren Braker (1998,2006), expresa que las y los investigadores cualitativos deben ser flexibles durante todo el proceso de búsqueda, recolección y análisis de los datos. Demanda no llevar hipótesis previas o respuestas preestablecidas al momento de entrar en contacto con la realidad. Esta exigencia del paradigma cualitativo debería ser una máxima para todo diseñador que desea dar respuestas novedosas a las necesidades o problemas identificados.

Se debe tener en cuenta que los paradigmas del diseño en concreto no se desligan de las causas del proceso del diseño, para lo que se debe tener presente lo siguiente:

El diseño gráfico como disciplina conjuga saberes: multidimensionales, complejos y totalizadores.

a) La Causa Primera, es el motivo, la necesidad humana, sin la cual no habría diseño.

b) La Causa Formal, visualiza el objeto por medio del dibujo y se conecta la forma a la técnica y a los recursos. Es una fase donde la experimentación juega un papel importante, se conjuga la dirección consciente y la intuición.

c) La Causa Material, es el conocimiento de la materia que utilizaremos para elaborar el producto, posibilita obtener mejores y más imaginativas ideas.

d) La Causa Técnica, al igual que la anterior, depende del conocimiento que se tenga de las herramientas y la maquinaria que permitirán darle forma al producto.